Myth Series part III: La Entrada Final

Superman

Damos comienzo a la última entrada de este blog con una tercera ojeada a la Myth Series (1981) de Andy Warhol (artista Pop), una colección de obras en las que se retratan personajes fantásticos que tuvieran gran relevancia en los años 50-60, tales como los que ya hemos visto (Drácula, la bruja de la famosa obra Wizard of Oz, Mickey Mouse o incluso Uncle Sam). Para finalizar se hablará de esta ilustración titulada Superman por razones obvias.

Puesto que esta colección habla de personajes fantásticos pertenecientes a la cultura estadounidense nuestro amigo Superman no podía faltar, uno de los más destacables y memorables héroes de los cómics americanos. Warhol tuvo mucho interés en el arte del cómic, diversas de sus obras lo demuestran, no es de extrañar que un superhéroe extraído de dichos cómics pertenezca a esta colección.

Santa Claus

La forma de esta ilustración es figurativa y cerrada ya que, aunque el personaje en sí sea irreal, se le puede representar como algo tangible mediante una caracterización o un simple disfraz. El color base utilizado para su realización fue el negro, pero para la propia figura de Superman y su silueta se utilizaron además el rojo, el azul, el carne, el amarillo y el blanco. La difuminación de colores y la degradación de la silueta simulan una efecto de ascensión, como cuando emprende el vuelo.

La textura es lisa y, dependiendo de dónde se hubiese sacado la imagen, la luz puede ser real o focal natural (teniendo en cuenta que se ha extraído de un cómic en el que existe una ciudad). Al tener un fondo tan oscuro no se logra distinguir en qué espacio se encuentra, pero el sombreado que tiene por todo el traje le otorga un volumen clarísimo típico de los héroes de los cómics. La composición de la obra es simétrica.

Qué puedo decir que no haya dicho ya, personalmente prefiero el cómic japonés (manga) sobre el americano, aunque tampoco le hago ascos. Superman es todo un personaje de la infancia no sólo americana, sino a nivel global. La segunda obra de esta entrada retrata a Papá Noel, personaje adorado por los infantes porque les lleva regalos en navidad, aunque esta tradición es más popular en Estados Unidos ya que en España contamos con los Reyes Magos de Oriente pero ese es otro tema. No me extraña que estos dos pertenezcan a la colección de Warhol, su fama y adoración está presente a nivel mundial y contra eso es difícil competir. 

Myth Series part II

Dracula

El título de esta obra es Dracula en honor al personaje que se representa. Su autor es Andy Warhol, artista perteneciente a la corriente del Pop Art y, junto con el resto de cuadros contenidos en la Myth Series, se realizó en 1981.

Warhol comenzó a mostrar interés por este personaje cuando produjo una película titulada "Sangre para Drácula" (Blood for Dracula) en 1974. Dicha película era una combinación del típico vampiro chupasangre que aterroriza a todo el mundo junto con escenas homo-eróticas y gran contenido de extravagante violencia.

Curiosamente los amigos de Warhol lo apodaban a menudo "Drella", que es una combinación de Dracula y Cinderella, esto se debía a su pálida piel y sus hábitos nocturnos, características de los vampiros.

The Witch, Wizard of Oz

La forma de esta obra es figurativa y cerrada porque, a pesar de que es un personaje mitológico, la obra es una serigrafía a partir de una foto, una foto echa a una persona real disfrazada de Drácula. La obra se realizó en escala de grises realzando con un tono rosa claro algunas líneas de expresión y algunos detalles del disfraz. 

La textura es lisa y la luz podría ser focal por la preparación de un escenario para realizar la fotografía. No se distingue un espacio determinado pero el juego de sombras da lugar a un volumen clarísimo sobre todo en el rostro y su composición  es claramente simétrica.

Ya mencioné en la anterior entrada que estas obras me parecían fascinantes, un homenaje a estos personajes tan especiales, aunque no me siento realmente atraído a las historias de brujas y vampiros. La bruja de la obra del Mago de Oz (1938) también pertenece a la colección como se puede apreciar, a Warhol le encantaba. No consigo apreciar dónde o cómo utilizó Warhol el polvo de diamante, tal vez viendo las obras originales sea más fácil de ver. También me ha llamado la atención un detalle y es que, de cada personaje de la colección, realizó dos obras. La semana pasada mencioné el cuadro de Uncle Sam (Trial Proof), resulta que la obra tiene una "hermana" llamada Uncle Sam sin más, ¿quiere esto decir que realizó una obra preliminar de cada personaje para después crear otra versión "mejorada"? Si alguien puede arrojar algo de luz al misterio será bien recibido.

Myths Series Part I

Mickey Mouse (Diamond Dust)

Esta es la primera de una serie de 3 entradas que realizaré en el blog, todas ellas hablando de la Myths Series de Andy Warhol (artista del Arte Pop). una colección de obras basadas en figuras icónicamente mitológicas o fantásticas de la infancia o cultura americana, tales como los dos cuadros de hoy, Mickey Mouse (Diamond Dust) y Uncle Sam Trial Proof.

Fechada en 1981, estas colección busca la ilusión de algunos de los personajes más famosos del mundo del cine y la televisión reconocidos a nivel global.

Mickey Mouse es un personaje de dibujos animados creado en 1928 por el ilustrador Walt Disney. Con los años este simpático ratón se ha hecho hueco en el corazón de millones de personas en todo el mundo llegando a desatar un gran furor entre sus fans, por no hablar del impacto mediático y del tirón que ha tenido en el mundo de la televisión y el marketing.

Puesto que Warhol se inspiró en viejas películas de Hollywood y en los dibujos animados de los años 50 y 60 para llevar a cabo estas obras no es de extrañar que nuestro amigo Mickey se encuentre entre ellos ya que, lo mires por donde lo mires, es el modelo ideal de Arte Pop.

Para realizar el análisis nos vamos a centrar en la ilustración de Mickey.

Uncle Sam Trial Proof

La forma de esta obra es figurativa y cerrada, ya que está perfectamente definida y se compone de un elemento principal con sentido propio. Predomina la línea curva lo que dinamiza la composición.

Los colores utilizados se encuentran dentro de la escala de grises incluidos el blanco y el negro, y el rojo para la lengua. La textura es lisa puesto que se trata de una serigrafía a partir de un dibujo animado y la luz real.

Apenas se aprecia sensación de volumen ya que, como ya se ha dicho, es un dibujo animado antiguo, osea que no pasa de las dos dimensiones. 

La composición de esta obra es simétrica como si de un retrato se tratase.

Nunca había oído hablar de esta colección de obras de Warhol, me ha llamado la atención verla y creo que es algo digno de ver. Lo que más me sorprende es que se utilizó polvo de diamante para dar matices a las obras pertenecientes a esta serie, jamás habría pensado que nadie haría eso, aunque claro, con lo excéntrico que era Warhol tampoco me extraña demasiado. En definitiva, Mickey Mouse es todo un icono mundial, ha estado presente durante toda mi infancia y es un personaje al que aprecio mucho, por eso me encanta esta obra especialmente por encima de las demás de la colección, aunque todas ellas en conjunto me parecen muy trabajadas y originales.

Los colores de Jagger

Esta ilustración es obra del artista Alejandro Sáez que, en un arrebato de locura y admiración hacia el arte pop, decidió crear su propia aportación a esta corriente artística en Noviembre de 2016. El cuadro se titula Jagger's Colors en honor a la boca de Mick Jagger, icono de los Rolling Stones. Actualmente la obra se encuentra en el Campus de Soria de la Universidad de Valladolid.

Partada en España.

Portada original.

Sáez siempre pensó que este reconocido icono del arte pop fue obra de Andy Warhol, uno de los grandes virtuosos de esta corriente artística, sin embargo el diseño original fue creado por John Pasche a petición del propio Mick Jagger y fue incluido en el interior del álbum. Warhol diseñó la portada del disco, unos pantalones vaqueros en blanco y negro haciendo énfasis en un pene marcado hacia la derecha y en la cremallera que lo abría. Por temas de censura, en España se utilizó otra imagen como portada, la de unos dedos saliendo de una taza de melaza por el título del disco Sticky Fingers. 

Volviendo a la obra de Sáez, se puede determinar su forma como figurativa y cerrada ya que, dejando de lado el hecho de que es un mosaico, representa algo real (una boca) con sentido propio.

El material utilizado es papel charol de diferentes colores y recortado con diferentes formas geométricas, predominando los triángulos y los cuadriláteros, por ello posee una textura lisa. 

Tomando como referencia el logo original, la iluminación de la obra sería real aunque no es algo que se pueda distinguir ni a lo que el autor haya dado mayor importancia. Tampoco se aprecia apenas sensación de volumen o profundidad, solamente en el interior de las bocas con el papel negro para simular su interior. 

Los colores están distribuidos de una forma particular ya que, el autor comenzó creando la boca de la esquina inferior izquierda manteniendo el logo lo más fiel posible a la obra original para más tarde repetir el proceso con diferentes colores, pero utilizando el mismo en todos los elementos, sin embargo se decantó por utilizar una aproximación bicolor y estuvo satisfecho con el resultado, por lo que eligió dos combinaciones (azul-amarillo, verde-rosa) y realizó 4 bocas más, alternando entre los colores elegidos sin mezclar las combinaciones elegidas. La última que realizó fue la que se encuentra opuesta a la original, en la esquina superior derecha, utilizando papel rojo y gris oscuro (con algo de purpurina) con la intención de "modernizar" el logo original. Para el fondo se utilizaron trazas de papel marrón y naranja ya que hacían destacar los demás colores.

Tiene una composición simétrica ya que el autor procuró variar la comisura de los labios para crear 3 expresiones diferentes, una feliz, una triste y una neutral, si se numeran del 1 al 6, de izquierda a derecha y de arriba a abajo, las bocas felices serían la 3 y la 5, las neutrales la 2 y la 4 y las tristes serían la 1 y la 6, con lo que se puede observar una colocación estratégica de cada una de ellas para darle una distribución concreta.

Personalmente no me gustan demasiado los mosaicos a no ser que sean muy grandes y representen alguna escena que resulte espectacular, pero no puedo decir que no a un intento de arte pop, por muy desastre que sea. La boca roja está muy torpemente realizada (porque fue la primera en hacerse) pero se ve una evolución positiva conforme llegamos a la última (la gris oscura). Resulta curioso cómo se distinguen los diferentes elementos de la obra teniendo en cuenta la dificultad que eso conlleva en un mosaico, no esperaba este resultado desde un primer momento pero podría decirse que no me disgusta del todo.

Purple Jumping Man

Esta obra se titula Suicide (purple jumping man), creada en 1963 por el artista pop Andy Warhol. Hoy en día el cuadro se encuentra expuesto en el Museo de Arte Contemporáneo de Teherán, que es la capital de la República Islámica de Irán.

La gente podría preguntarse cómo un cuadro de Warhol ha acabado en una ciudad de Oriente Medio, y en verdad es una historia curiosa. En los años 70, gracias a los ingresos que proporcionaba el petróleo, los reyes de Irán decidieron modernizar el país construyendo un museo de arte contemporáneo. Tony Shafrazi, un marchante de arte, compró ese cuadro para añadirlo a la colección del museo y Warhol, cuando descubrió ese proyecto, estuvo interesado en la idea y decidió pintar retratos al rey y a su esposa.

El cuadro muestra una secuencia de 2 fotografías realizadas por un fotógrafo documental y serigrafiadas con una base púrpura pero en blanco y negro. Como bien dice el título, se representa el suicidio de un hombre arrojándose al vacío desde un edificio de gran altura. Se estima que el cuadro podría tener un valor de aproximadamente 70 millones de dólares.

La forma de la obra es figurativa y cerrada, ya que cada elemento es algo real, tangible y tiene sentido de forma independiente. En la fotografía del edificio predominan las líneas verticales simulando la elevación, la altura de la infraestructura. 

Los colores utilizados son el negro y el morado, colores oscuros y fríos como la situación que representan, son colores de luto, de tristeza. Al ser una serigrafía hecha a partir de fotografías, la textura de la obra es lisa, así como la luz varía entre las dos instantáneas, en la primera la luz es más real mientras que en la segunda, por el tamaño de las sombras, podría decirse que es focal. 

Por el contexto se puede asumir que el espacio en que se ubica la situación es la calle, pero no se aprecia sensación de volumen ni de profundidad a primera vista. La mitad superior del cuadro tiene una composición vertical mientras que la mitad inferior tiene una composición horizontal.

A nivel personal me parece un cuadro interesante, la temática contrasta mucho con lo que yo conocía de Warhol (todo acerca del consumismo, los cómics, los retratos…) y me ha impactado al verlo. Encuentro esta obra bastante tétrica la verdad, casi como Saturno devorando a sus hijos, me parece curiosa a nivel artístico pero no me termina de convencer, es demasiado sobrecogedora. Es cierto que este tipo de temas pueden servir de puente para crear grandes obras de arte, pero prefiero mantenerme cerca de cuadros algo menos siniestros.

Icono de una Generación

Coca-Cola 3 Bottles.

El título de esta obra es Coca-Cola 3 Bottles y pertenece a una serie de trabajos que realizó Andy Warhol entre 1961 y 1962 sobre las botellas de la famosa marca de Coca-Cola (entre los que encontramos Coca-Cola 5 Bottles y Coca-Cola Green Bottles). 

Esta serie de ilustraciones pertenecen a la corriente artística del Pop Art, según el propio Warhol, creó estos cuadros porque le hacía gracia que un producto tan común y popular  como la Coca-Cola fuese parte de la vida diaria de todo el mundo, independientemente de la situación personal de cada uno, que tan pronto podías ver a un vagabundo como al propio presidente bebiendo uno de estos refrescos. Es por ello que le dedicó un tiempo a plasmar las botellas de la franquicia en diferentes cuadros utilizando su técnica de la serigrafia principalmente, añadiendo detalles y perfilando con acrílicos y otras técnicas más comunes. 

Coca-Cola 5 Bottles

La forma de esta obra es figurativa (ya que representa un objeto real, tangible) y cerrada (puesto que cada elemento tiene sentido propio y no forma parte de un todo). Predominan las líneas curvas, lo que dinamiza la composición.

Los colores se basan en el objeto representado (en este caso las botellas vacías) por lo que se utilizan tonos muy claros (verde vidrio) para estos y rojo para el logo de la compañía, junto con líneas negras para delimitar la figura y realzar los detalles. La textura de la obra es lisa y la iluminación real.

No muestra indicios de profundidad ni volumen en la obra sino que es una ilustración en dos dimensiones como podrían ser los dibujos de un póster, además posee una composición vertical y simétrica.

Coca-Cola Green Bottles

De esta obra no puedo decir si me gusta o no, es llamativa no cabe duda, pero tengo sentimientos contradictorios al respecto. Por un lado me resulta atractiva por la técnica empleada y el resultado obtenido ya que este tipo de obras, muy características dentro del Arte Pop, me gustan bastante, sin embargo al ser tan simple me da la sensación de que le falta algo. Sé que el objetivo de estas obras es una burla a los estereotipos sociales y una crítica a la sociedad consumista de la época, eso también me llama la atención.

Probablemente me gustaría tener una copia de esta obra para mi propia colección, pero no sería mi primera elección de entre todo el trabajo de Andy Warhol.

Más Allá del Arte Visual

El título de esta obra es desconocido ya que su objetivo era ser la portada del álbum musical Velvet Underground & Nico del grupo Velvet Underground, financiado en gran parte por Andy Warhol (autor de la obra), de ahí su relación. Los fans del grupo lo denominan el Banana Album debido a dicha ilustración. La pintura, perteneciente al Pop Art, se creó en 1966, año en que se grabó el disco.

Esta obra es muy curiosa ya que Warhol realizó dos diferentes, el plátano con cáscara y el plátano pelado, por lo que decidieron poner la obra del plátano pelado como carátula y, sobre ella, una pegatina que podía quitarse para que pareciese que todavía tenía la cáscara. En una re-edición del disco en 1996 se decidió poner el plátano pelado en la parte interior de la caja del CD y la obra original como portada. El disco habla de temas que causaron mucha controversia en la época, tales como desviaciones sexuales, uso y abuso de drogas, el sadismo y masoquismo, la prostitución... A pesar de que el disco se grabó entre abril y mayo de 1966, no se puso a la venta hasta enero de 1967 debido a temas de censura, además, la complejidad de la carátula con la pegatina también influyó en la tardanza.

Analizando la obra un poco más analíticamente, podemos decir que se compone de una forma figurativa y cerrada. Los colores utilizados son negro y amarillo para simular la cáscara de plátano y rosa y fucsia para representar el plátano sin cáscara, ya que tenía una connotación fálica. La iluminación es real y la textura lisa. Su composición es simétrica y diagonal, además no se aprecia sensación alguna de profundidad en la obra ni de volumen en la figura.

Personalmente no tengo mucho que decir respecto a esta obra, me parece muy ingeniosa la idea de superponer ambas ilustraciones en la carátula con una pegatina pero aparte de eso es muy sencilla, literalmente es un plátano en estilo Pop, no tiene más. Es divertida pero muy simple a mi parecer, me gusta pero no es de mis favoritas de Warhol, no expresa ninguna idea que genere controversia además del significado fálico del plátano sin cáscara.

Portrait Of Maurice

La siguiente obra se titula Portrait of Maurice (Retrato de Mauricio) y fue realizada en 1976 por Andy Warhol y pertenece a la corriente del Pop Art.

Con el paso de los años, Warhol le cogió el gusto a la fama que le otorgaban sus obras, No tenía ningún reparo en acudir a las celebridades para realizarles un retrato y, si rehusaban, pedía retratar a su mascota, como es este ejemplo de Mauricio, el preciado dachshund de Gabriele Keiller, conocida como Marmalade Queen por sus colegas de la universidad esta polifacética artista destacaba por su afición al golf y a coleccionar obras de arte.

La forma de esta obra es figurativa y cerrada ya que se representa un animal con una aproximación más o menos acertada a la realidad. 

Utiliza unos colores tierra como base de la obra debido al color original del animal y sobre ellos tonos azules y rosas para contrastar y realzar los detalles. Son tonos mayormente fríos en contraste con el cálido aprecio de Gabrielle hacia su mascota. 

Posee una textura lisa y ligeramente desgastada que le da realismo y volumen a la obra. No se aprecia profundidad en el espacio pero sí volumen en la figura, ya que parece que el dibujo se ha realizado por capas.

La luz de la ilustración es real, esto se debe a que se utilizaron polaroids del animal para llevar a cabo esta obra. 

La composición de este cuadro es vertical y simétrica.

En mi opinión esta obra es una maravilla para la vista, Pop Art en su máximo esplendor. Esa forma de superponer colores por capas da un resultado excéntrico y la selección de los mismos lo hace parecer coqueto. La temática canina siempre es bien recibida he de decir. Me encantaría tener un cuadro así para colgarlo en mi casa, no todos los días se ve un cuadro de este tipo.

Before & After

Ilustración de 1961.

Ilustración de 1962.

El título original de esta obra es "Before and After" aunque también se la conoce por otro nombre: "Jewish Nose Job". Fue ilustrada por primera vez en 1961 y recreada posteriormente un año después. Su autor es Andy Warhol, artista precursor del Pop Art. Hoy en día ambas obras se encuentran expuestas en el Museum of Modern Art (MOMA) en Nueva York. 

En estos cuadros podemos apreciar el perfil del rostro de una mujer, a la izquierda con la nariz grande y puntiaguda, y a la derecha con una nariz más estándar. La idea detrás de estas obras tiene una finalidad publicitaria, ya que se crearon con el objetivo de promocionar a un cirujano plástico en un tabloide estadounidense, The National Enquirer, conocido por sus artículos periodísticos relacionados con las celebridades.

La forma de estas obras es figurativa y cerrada, más la segunda que la primera ya que los trazos son más precisos y detallados. Sabiendo que el fin de las obras es dar a conocer un servicio comercial, el uso de colores se limita al blanco y negro como sinónimo de objetividad, no se expresan sentimientos más allá del propio fin de las ilustraciones. El estilo se asemeja al del cómic americano, sobre todo la segunda ilustración, tiene una textura totalmente lisa y el estilo de dibujo es similar. Tiene una composición simétrica y no se aprecia volumen ni profundidad.

Personalmente no tengo mucho que decir de esta obra, ya que en comparación con otras creaciones de Warhol esta me parece bastante simple y objetiva, tiene un fin publicitario, no es algo que él en su estudio decidió crear para expresar algo por sí mismo. Siempre me ha gustado el estilo artístico de los cómics estadounidenses que están presentes en muchos de sus cuadros, este no es una excepción, es ingeniosamente simple y directa, pero no me termina de convencer.

Marilyn Series

Esta colección de retratos de Marilyn Monroe (conocida como "Marilyn Series") se realizó en 1967 mediante la técnica de la serigrafía. Su creador, Andy Warhol (perteneciente a la corriente del Arte Pop), decidió rendirle homenaje a la actriz tras su trágica muerte en 1962 debido a una sobredosis. Aprovechó la ocasión para hablar sobre lo efímera que es la vida y, una vez más, criticar a la sociedad tan materialista e irónicamente despreocupada de los problemas sociales de la época.

Cada uno de estos cuadros tiene una forma figurativa, están representando a Marilyn Monroe, una persona real. Ala hora de analizar los colores se puede apreciar la gran variedad que poseen, al ser todos diferentes podemos encontrar colores tanto cálidos como fríos, representando a Marilyn desde diferentes perspectivas, de esta forma cada espectador le puede dar un significado diferente acorde a los diversos momentos de su vida. Se puede distinguir un contraste de colores dentro de cada uno de los cuadros para destacar los elementos más llamativos (el pelo, los ojos y la boca) en comparación con la piel. 

La iluminación proviene de un foco artificial ya que originalmente la idea del cuadro fue tomada de una sesión fotográfica en la que participó Marilyn.
No se aprecia la sensación de profundidad en la obra pero sí la de volumen en la figura gracias al uso del sombreado. Además al provenir de una sesión de fotos el escenario blanco fue preparado para que la figura de Marilyn fuese el foco de atención y nada pudiera distraer a los espectadores.
Posee una composición circular puesto que, como ya se ha dicho, el centro de atención es la propia actriz, no existen más elementos dentro de la obra.

Personalmente pienso que estas obras son de gran calidad artística dentro del Arte Pop, una explosión de color y alegría representando a una de las mejores actrices de la historia. Ese aire vintage que desprenden es cautivador y atractivo a mi parecer. Esta serie parece representar las diferentes facetas de la personalidad de Marilyn, como caras ocultas de sí misma que no todo el mundo conocía, la complejidad del ser humano en general, no sólo la fachada. 
Definitivamente colgaría toda la serie de cuadros en alguna parte de mi casa, junto con alguna obra de estilo cómic para acompañar.

Oferta y Demanda

La lata de sopa de tomate que hizo historia. ¿Quién no ha visto esta obra alguna vez? Siempre que alguien menciona el arte pop esta es una de las imágenes que a todos se nos pasa por la cabeza. 

Es curioso cómo una obra tan simple como una lata de sopa puede adquirir tanta fama y aclamación, es cierto que los detalles están muy cuidados y, sin duda, es una imagen que pondría en mi casa, sin embargo en esto se basa el Arte Pop, imágenes comerciales y conocidas plasmadas de forma animada sobre el papel. 

Me extraña bastante que Warhol, con lo extravagante y socialmente selectivo que era, realizara obras como estas representando productos comunes de la época, no sólo latas de sopa. Aunque hay que tener en cuenta que está comenzando, todavía hay tiempo para que desarrolle y explote su capacidad creativa, veamos esta obra con un poco más de detalle... 

En la década de los sesenta se puso muy de moda el realizar obras de productos norteamericanos que se pudieran encontrar en el hogar de cualquier lugareño: latas de sopa, botellas de Coca-Cola... Objetos de lo más vulgares y cotidianos. Gracias a esta nueva corriente, Estados Unidos se colocó en cabeza dentro del mundo de las Artes Visuales.

Warhol rechazaba el estilo de vida norteamericano estereotipado y angustiado, en una sociedad marcada por el consumo y la publicidad. Decidió convertir los objetos cotidianos en los protagonistas de sus obras como crítica a la deshumanización de la sociedad. Este tipo de cuadros resultan fríos, distantes, como las aglomeradas y solitarias ciudades postindustriales. 

Muchos artistas en la corriente del Arte Pop se valen de este recurso como evidencia de los problemas sociales de la época, la falta de conciencia ante los problemas sociales, la gran división entre sociedad y tecnología.

Hoy en día estas obras se perciben de forma trivial y hogareña, con aire vintage e incluso coqueto, su significado no es el mismo que hace 50 años, pero eso no significa que la sociedad a la que tanto critica haya desaparecido, los problemas sociales han cambiado pero, lamentablemente, siguen existiendo. 

La Publicidad: Warhol hacia el Estrellato

Andy Warhol decidió estudiar una carrera dedicada al Arte Comercial en Pittsburgh y posteriormente se mudó a Nueva York para trabajar en publicidad como ilustrador, esta obra fue una de las muchas ilustraciones que realizó para patrocinar una empresa de calzado. 

Trabajó en muchas ilustraciones utilizando la tinta de forma muy libre, casi podría decirse que son bocetos de próximos diseños de zapatos.

Estas ilustraciones tuvieron gran impacto en el público y fueron expuestas en la galería Bodley de Nueva York.

Dicha exposicion puso a Warhol en el punto de mira y llamó la atención de los lugareños, proporcionándole cierto reconocimiento y popularidad. Además las empresas discográficas, como la antigua Radio Corporation of America, decidieron explotar las nuevas tecnologías de la época y contratar artistas como Warhol para la realización de portadas de discos y otro material promocional.

Desde mi punto de vista este tipo de ilustraciones para darse a conocer fueron una gran idea, además los diseños son bastante originales para el contexto de los años 50. Desconozco si se llevaron a cabo dichos modelos pero las ilustraciones en sí me parecen bastante interesantes, aunque en  mi opinión el que tiene un estampado navideño es bastante hortera.

Andy Warhol

Nacido en Pittsburg (Estados Unidos) en 1928. Las obras de Andy Warhol, no sólo en el mundo de la pintura sino también en la gran pantalla, crearon mucha polémica pero no por ello tuvo menos éxito, diversos artistas recibieron una de sus visitas en busca inspiración para realizar sus retratos (tales como Michael Jackson, Mick Jagger o John Lennon). Sin embargo sus obras más conocidas se asocian a Marilyn Monroe y a las famosas latas de sopa Campbell.

A finales de los años 60 hubo un atentado contra su vida pero logró sobrevivir, aunque este intento de asesinato lo marcó durante el resto de su vida. Después de su muerte se estrenó una película titulada I shot Andy Warhol, que cuenta cómo sucedió.

Debido al gran contenido extravagante y/o sexual de sus obras, se habló mucho acerca de las posibles inclinaciones homosexuales del artista. La mayoría de sus desnudos fueron realizados con modelos masculinos y sus películas se estrenaban en cines X para homosexuales. Warhol prefirió expresarse a través de sus obras más que a nivel social, no era muy partidario de las entrevistas que digamos.

Warhol falleció en 1987 pero su obra sigue siendo relevante para los artistas de hoy en día y se sigue recordando su legado en numerosas galerías de arte. Larga vida a la cultura pop.